R e m i n i s c e n c i a s

2012-01-25T12:39:00.000-08:00

Angel Rivera:
La fotografía o la poética del vuelo
Cámara oscura, revista Artes: Por Patrick Landry

http://artessd.com/?p=1038 <http://artessd.com/?p=1038>

Desde el principio, la fotografía fue para los artistas, una herramienta, una técnica y una manera de expresarse. Ellos entendieron las inmensas posibilidades que permite la cámara. El fotógrafo francés Gustave Le Gray fue uno de los primeros en retocar la imagen que había salido de la cámara oscura para darle un toque artístico. Por el tipo de estructura, la fotografía ofrece un campo de investigación de los efectos artísticos casi infinito al artista con formación y mirada sensible. En la época actual, más que nunca, esto es verdadero gracias a los progresos técnicos y especialmente a la aparición de la fotografía digital. Sin embargo, su uso requiere un excelente manejo de las técnicas.El trabajo pictórico-fotográfico de Ángel Rivera nos ofrece un viaje onírico espacial. Su enfoque es el vuelo, con el problema de la gravedad que éste implica. Desde su niñez, el artista está fascinado por todo lo que puede volar, sobre todo los pájaros, que son como su firma. Frecuentemente, observamos la presencia de uno o varios pájaros volando, al igual que los cuervos pueblan los cuadros de Van Gogh.La figuración o la manifestación física sobre el papel es el vuelo, ya que su tema principal es la búsqueda del hombre. El ser humano mira hacia arriba en dirección del cielo. El artista ha guardado una mirada de niño, de un niño que crea, en un espacio tan particular y tan perfecto como el cielo, una multitud de historias. Estas son las historias que Rivera revela a nuestra conciencia. Aquí se acaba el paralelo con el niño, porque el artista desarrolla en su obra sus preocupaciones de ser humano consciente de su condición de humano. El niño, al igual que el personaje de la historia “El Principito”, no tiene los pies en la tierra. Rivera, sí.Para ser artista, dos condiciones son necesarias: la mirada infantil y mirar con curiosidad.Es descubrir lo evidente. El artista es un ser humano que se detiene para cuestionarse y reflexionar sobre su mundo. El artista toma el tiempo de mirar.Simetría y equilibrio: herramientas y filosofía de vidaSi el cielo ocupa un espacio importante, él lo comparte con la tierra. Rivera responde a la problemática de la figuración de estos dos elementos utilizando la simetría. Es una necesidad. Siempre existe una composición central. En este sentido, el artista expresa “Es la más sencilla, pero a nivel artístico ofrece un campo de investigación inmenso. Además, el cuerpo humano tiene una gran simetría. El ser humano esta íntimamente relacionado con el diseño simétrico”. De manera inconciente, el ser humano va a buscar un reflejo de sí mismo, algo que lo tranquiliza. Así se produce el equilibrio.Hay una fascinación por el equilibrio. Es un equilibrio estructural que conduce al equilibrio espiritual. En su obra, de forma repetitiva, hay una presencia del cuerpo humano desnudo. Esta presencia es muy importante, ya que según Rivera “el equilibrio del universo pasa por el cuerpo humano desnudo. A nivel estructural y simbólico, es un componente erótico que ayuda a entender el sentido de la vida”. Si el cuerpo desnudo tiene forma que puede dar a una obra una dimensión erótica y artística, él explica también una forma de origen del ser humano.La dinámica también proviene de un elemento suspendido en el aire o de una vertical creada por varios elementos. La obra “Opening” representa el torso de un hombre saliendo del agua con la cabeza erguida. Encima de la cabeza, flotando en el aire, dos espermatozoides, uno apareciendo detrás de una forma cuadrada simulando una ventana. Todos estos elementos, uno debajo del otro, forman una vertical que divide la imagen en el medio. No podemos discutir la simetría. El equilibrio es frágil porque reposa sobre el hombre saliendo del agua, que no es una base sólida, como tampoco lo son los espermatozoides. Es la expresión de la reproducción del ser humano y al mismo tiempo del placer. La ventana es una representación de lo nuevo, de un nuevo que todos creemos y que en realidad es una mera repetición.Algunas veces, se rompe la simetría y el equilibrio; es el lado trágico del ser humano que aparece. La foto “9/11” es un parábola del evento sobrevenido en los Estados Unidos el 11 de septiembre 2001. El fondo comparte su espacio entre una sala cuadrada y una miríada de pájaros alzando el vuelo, creando una confusión, la misma confusión que sucedió este tristemente famoso día. Los pájaros son una figuración de las almas llegando al cielo. La obra está presentada con un lazo externo que cierra la composición. Con esta obra, Rivera está en proceso de sacar la fotografía del plano. La esperanza viene de un niño ubicado en la parte derecha, que escapó a la tragedia.Movimiento y efecto borrosoEl movimiento fue, desde el principio de la fotografía, una preocupación técnica con un enfoque artístico o científico. Uno de los primeros fue el inglés Edward Muybridge que llegó a fijar y descomponer los movimientos de un caballo. Una de sus obras, “Flying paper”, es una bola de papel suspendida en el aire arriba del mar. Una simple bola de papel, que, ella sola, tiene la capacidad de dar movimiento, dinámica y equilibrio. Todo es movimiento en esta obra, el reflejo de la bola de papel sobre el mar da una sensación de vibración óptica con un toque acuarelista casi impresionista. La superficie del agua es una representación del movimiento interno del mar. Hay algunos pájaros acompañando la bola de papel, unos con las alas arriba y otros con las alas hacia abajo.Todos pertenecen al mismo movimiento, es un vuelo en circunferencia parecido a una nube. Rivera tiene una obsesión por los elementos flotantes, como esta bola de papel. Para él, estos elementos traen paz. Traen también algo mágico, en el sentido que no sabemos cómo pueden mantenerse en el aire. Son un desafío a la gravedad.Otra manera de dar movimiento, que es artísticamente interesante, es el uso del efecto borroso, cuando se mueve el sujeto, especialmente en la cámara, sale borroso. Rivera opina que “la cámara se detiene; el cerebro, no. La cámara tiene la propiedad de dar vida y hacer aparecer el movimiento; per,o al mismo tiempo, fija una sola imagen de dos dimensiones”. Dos dimensiones que limitan el campo de investigación del artista que tiene en mente salir de la bi-dimensionalidad para llegar a una especie de foto-instalación tridimensional. El sujeto en movimiento crea una situación desenfocada. El fotógrafo dice que usa mucho las degradaciones focales, hasta un punto en que el píxel tiene más textura de pastel que de foto.La descomposición del movimiento revela cierta energía cinética. Para Rivera, el cuadro de Duchamp, “Desnudo bajando un escalera” de 1912, es una obra mayor que nos muestra una estructuración del movimiento. Según él, “El fondo no debe competir con el sujeto, si no, el sujeto se pierde dentro de él”. Además, la profundidad del campo que se trata con la cámara nos permite jugar con el efecto borroso. De todas maneras, siempre vamos a tener una preponderancia de ciertas partes. El utiliza mucho el cielo como fondo porque trae paz. Es algo tan perfecto que no puede dejarlo. En palabras del artista “el ser humano tiene una relación, una conexión con el cielo, algo espiritual. No tiene nada que ver con lo material. Existe una conexión perfecta entre ambos”.Una atención particular en los plieguesCon los pliegues, entramos en la poesía y otra forma de expresión artística. Se forma una danza, un placer. Es su intención. Es mucho más que la simple expresión de un movimiento. Rivera hizo muchos estudios de papeles para descubrir lo interesante que puede traer algo que en principio es una banal hoja. El quiere crear una forma interesante. Lo hace también con las sábanas para sacar algo que es más que un objeto sencillo de la vida cotidiana. En la foto, la bola de papel y la sábana adquieren otra dimensión que se ubica entre la poesía y lo artísticamente interesante. El verdadero artista, es aquél que puede dar un toque diferente a esos objetos. Manet hizo este efecto en sus bodegones, particularmente en la obra “El Limón”. Rara vez, un cuadro tuvo un tema tan simple, pero muestra la expresión de una sensibilidad y de una sencillez que deja al espectador sin voz.Los colores: sepia y verdeDel mismo modo que Rivera busca equilibrio, para no romper la armonía, tiene que balancear las formas y los colores. Según él, las fotos a color pertenecen a lo cotidiano. El artista debe crear una distorsión con la realidad. “A nivel estético, tengo que buscar una tonalidad. Elegí el sepia y el verde.” Así, él puede recrear una atmósfera con una continuidad del ambiente para tener un equilibrio dentro de la gama de colores. De otra forma, se rompería el discurso visual. La gama es reducida, pero eso no lo limita para crear una multitud de tonos entre el sepia y el verde. Al contrario, la búsqueda de diferencias tonales ínfimas procura una riqueza de todo tipo de verdes y sepias. En la obra “Opening”, tenemos una paleta muy rica que va del verde al sepia pasando por el blanco. Los pixeles del primer plano simulando la ola son una excelente representación de las posibilidades que puede ofrecer la técnica digital al servicio del artista.El aspecto de las materias es el otro punto fuerte de su trabajo. El efecto acuarela, el efecto pastel, el efecto borroso y el píxelado son todos herramientas que permiten expandir la sensación del color. Eso se nota sobre todo en la obra “Equilibrium”, en la cual existe una mezcla de texturas que permite dar a cada parte de la foto una dimensión diferente. No solamente la vista es estimulada, sino que también se hace referencia al tacto para el tratamiento de cada textura.El dibujoEl dibujo entra dentro del proceso de creación. Que sea hecho a mano directamente en el papel fotográfico, o retocado en la computadora, el dibujo muestra, otra vez, la importancia de lo artístico en la obra de Rivera. En las obras “Lam” y “9/11”, el trazado ocupa un espacio importante. El aspecto de la línea del dibujo se ubica entre un lápiz litográfico y un pastel. Este aspecto da mucho relieve y profundidad a los trabajos.Un artista del aireDe la tierra, el fuego, el agua y el aire, los cuatro elementos, Rivera es, sin duda, un ser humano del aire. El da más importancia al elemento aire. En sus obras, el componente psicológico es importante. El filósofo Gaston Bachelard estudió una poética de los cuatro elementos, y no es una causalidad que su libro dedicado al elemento Aire se llame “Aire y los sueños: un ensayo sobre la imaginación en movimiento”. Podemos constatar que el aire y el movimiento están íntimamente ligados. ¿De dónde viene la preponderancia por el aire?Ángel Rivera, con sus composiciones fotográficas nos lleva a un mundo de paz, el viaje entre tierra y cielo. Cada objeto que flota en el aire tiene su textura, no es algo evanescente, pero tiene la capacidad de quedarse suspendido sin hilos, sin nada. Más que un desafío a la gravedad, es una expresión de un sentimiento de libertad. El artista, más que cualquier persona, puede ofrecerse el lujo de dar a sus obras no solamente originalidad sino también, una poética de lo probable. Las obras se ubican entre “lo real y lo surreal”. Las soluciones artísticas tienen dos funciones: permitir creer en sus obras y ofrecer un placer al espectador.

Una simbología erótica

2011-04-16T15:16:00.000-07:00

Una simbología erótica

5 Abril 2011, 9:39 PMCultur@

Escrito por: Clara Silvestre http://www.hoy.com.do/vivir/2011/4/15/371651/Cultur

Artista. Ángel Ricardo Rivera, fotógrafo, creativo publicitario y artista

El artista insiste en lo sublime a partir de lo real. Nos revela un código a través de simbologías que se hacen necesarias, precisas, conscientes. Tras el reflejo de estos cuerpos que juegan a ser y no ser, a descubrirse ante un mundo que cuestiona y castiga, a dejar descubierta su espalda, sus glúteos, sus muslos, pero cubrir sus rostros para no sentir la mirada inquisidora y, de paso, si fuera necesario, evitar la furia de Poseidón, descubrimos la mano del artista, su interés por no doblegarse ante lo establecido, dejando al libre albedrío el reflejo evidente de sus estímulos. Entender el significado y así el significante, y lograr esa compleja construcción del signo, ofrece la posibilidad de crear a plena libertad.Cuando Man Ray afirma: “Fotografío lo que no deseo pintar, las cosas que tienen ya una existencia”, concentra su atención en lo concreto y evidente ante nuestros ojos, pero abre mil posibilidades hacia lo que, pudiendo hacerse evidente, no necesariamente es perceptible a través del lente. En este caso, el artista de la imagen Ángel Ricardo Rivera quiere dar el protagonismo necesario a la luz, presentándola “complementada, extendida, sin límite como forma expresiva para la reflexión”. En su planteamiento reconoce no solamente la belleza, sino que se envuelve en los ámbitos de los subconscientes existenciales, donde aparece, en consecuencia y oportunamente, el silencio. Apuesta a lo visual, evidencia la coexistenia del publicista, el fotógrafo, el diseñador, en fin, artista: observador y creador por naturaleza; pretendiendo jugar el rol de poeta, comunicador de sentimientos, mostrando sus preocupaciones que giran en torno a la naturaleza humana, “nuestra obra se inserta en las reflexiones del pensamiento, del recogimiento profundo humano, del amor, la ternura, la nostalgia, lo netamente emocional, sobrepasando lo real, lo imaginativo, lo irracional, cayendo plenamente en un mundo surreal”.

Iluminata

2011-01-14T09:25:00.000-08:00

6:45 PM. Otoño, Miami, Fl.

Alrededor de esta hora, regresaba a casa luego de un paseo por The Moors; bicicleta, caminata, o el clásico caminar con Manchi, mi compañera incondicional del alma, (mi perrita Beagle). Al regreso casi siempre, me reencontraba con el reflejo allí, a esa hora particular en la gran pared del living room de la casa, el reflejo de la ventana magnifico, sereno, placido, sostenido. El sol, en su último intento, se aposentaba en esa área de la casa y de forma misteriosa creaba la ilusión: el reflejo de la luz en la pared.
La luz se fundía con la cortina sostenida desde la altura de un techo catedral de unos 20 pies de altura. Desde esta ventana se proyectaba el reflejo se proyectaba a la gran pared central del townhouse ofreciendo el espectáculo, el preludio de la noche, de mi mente...
Dentro de poco desaparecería como un sueño surreal de mi mundo material. Pensaba en lo ineludible, lo inexorable, del tiempo; el movimiento de la luz; si me desconcentro o si miro hacia otro lado, cuando regreso ya ha experimentado otro cambio, que no cesa, que sigue y se sucede imperceptible en mi proceso de observación. El universo no se detiene ( y recuerdo la metafísica de mi hermana Jocelyn...), “la existencia es un recorrido indetenible”. Fantaseo en salir de la tierra como si fuera un cohete humano y desde allá arriba observar a plenitud la perfección total del universo tratando de entender mejor el misterio del sol, de la luz. Pensaba cómo podría lograrse el concepto a nivel artístico en mi discurso visual, que alguna manera tendría que experimentar con esta imagen que en su tiempo habitaba mi espacio de manera obsesiva.
Pasaron los años de aquel pasado ahora inexistente (corroborando la teoría de Jocelyn), y por fin retomo y me atrevo. Me ayuda a complementar la temática otra imagen que hiciera una vez en el teatro. Recuerdo que para aquella ocasión entré a la función con mi cámara de negativos y tuve que descomponerla para escabullirla; quitarle la lente y separar su cuerpo para introducirla al teatro de manera furtiva. Era prohibido usar cámaras fotográficas en la función de aquel ballet Argentino. Una de las tomas que se sucedieron fue en unos de los momentos dramáticos de la danza donde todos los bailarines caen al suelo como en efecto dominó formando un cordón humano horizontal a lo largo del escenario, como una culebra, haciendo una ruptura rítmica del tiempo de la melodía en un final apoteósico de la danza. Todo el teatro se levantó al aplauso unísono y yo, listo como francotirador, aprovecho y capturo el "momentum" de un final único para la memoria que hoy se traduce en para sus ojos en “Illuminata”.

Reminiscencias

2010-12-28T07:11:00.000-08:00

La existencia del ser como "leit motiv"
en los trabajos de Ángel Ricardo Rivera
Por Clara Silvestre, crítico de artePeriodista cultural y miembro de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte. ADCA/AICA

"Rivera plantea la gravedad, el movimiento, la suspensión, desde una perspectiva de equilibrio, de razones lógicas que apuestan a la armonía, entiendo desde un pensamiento dionisiaco, que alude al mundo de los sentidos y lo sensual."

Por qué no confrontar la desnudez, el despojo consciente de lo que ata y controla. Por qué no hacer ver nuestras debilidades, nuestros miedos y confrontaciones, todo en busca de la libertad que espera quieta en un destello de luz, en la sombra, en el aire, en una piel que descansa y juega a ser fuerte y débil a la vez. Observar los trabajos de Ángel Ricardo Rivera nos despierta esa necesidad innata por saber más. En una primera lectura, nos encontramos con un explícito concepto de realidad, lo consciente, lo pensado; configurado con códigos que nos llevan a pensar en la técnica llamada “Grisaille”, por su monocromatismo y utilización del relieve. Y nos topamos ahora con la inminente y necesaria interacción entre el espectador y el objeto, encontrando un punto nuevo de enfoque. Porque como ha dicho John Berger: mirar “buscando” algo es lo opuesto a mirar. La visibilidad es una cualidad de la luz, y esta luz es fuente de vida, porque en definitiva, en un universo muerto nada es visible. Indiscutiblemente, en este contexto, se alude a lo visual, a la existencia del ser, como si se tratara de encontrar la llave que conduce hacia la libertad. El artista devela, descubre, nutre. Crea un espacio idóneo para expresarse y hacer permanente sus sensaciones. Así, en un escenario dispuesto, se confrontan fotografía, pintura y dibujo, y es cuando entonces el artista habla de poesía, manoseando los materiales y experimentando, constantemente, todo marcado por un hilo conductual sustentado en la corriente surrealista. El enigma asume su postura, confiriendo un espacio oportuno a la imagen, por ser creación pura del espíritu. Rivera plantea la gravedad, el movimiento, la suspensión, desde una perspectiva de equilibrio, de razones lógicas que apuestan a la armonía, entiendo desde un pensamiento dionisiaco, que alude al mundo de los sentidos y lo sensual. Ya, anteriormente, se ha referido al simbolismo freudiano, el cual, asume y combina con elementos pictóricos que lo llevan a un plano sensorial, relativo al origen del todo, en consonancia con lo metafísico. “Esta atmósfera irreal que se percibe en los objetos, en las aves que vuelan pesadamente sin definición objetiva, en el oxigeno; grupos que danzan en el azul, brazos en movimientos con puñales que emergen hacia en una búsqueda o denuncia”. A partir de la utilización y tratamiento de varios materiales, y aprovechando como técnica, la cámara fotográfica, la computadora, impresión digital, dibujo, pintura, acetatos, transparencias, madera , refiere la idea de un discurso visual marcado por un arte conceptual de lo que ha considerado un siglo arrebatador. Asume los elementos: tierra, agua, aire, mar, texturas, transparencias, restos de maderas marinas, instalaciones ingrávidas y, en un renglón esencial, la luz, en lo que ha descrito como la búsqueda en las profundidades de lo humano, para presenciar en su propio universo: la magia, develando un santuario: su santuario interior privado. Como hemos visto, Ángel Ricardo Rivera maneja la técnica, el uso de los materiales, la composición. El hecho de especializarse como creativo publicitario y acumular una importante experiencia tanto en el exterior, primero en Miami, y luego en la República Dominicana, le ha permitido concebir sobre contextos más definidos y terminados. En lo compositivo, se ha expresado: “arrastrado por la simétrica, de una forma inconsciente, caigo y me asidero a ella, me lleva al equilibrio, a la seguridad, de la simpleza de las estructuras básicas, con incidencias monocromáticas. La fuerza de nuestra obra se fundamenta en la forma y el contenido simbólico evidenciando mi conciencia visual. La yuxtaposición de elementos a veces pueden resultar misteriosos e incongruentes, porque, obviamente, no son parte de una realidad, sino de la mía interna, que fluye, que brota sin razón o viceversa”.

Influencias de Lam

2010-07-14T08:34:00.000-07:00

Influencias de Lam
92 x 134 cms. / Giclees print

“La Jungla”, obra realizada por el maestro cubano Wilfredo Lam, (1943). Original exponente del surrealismo en Latinoamérica, creador de un nuevo lenguaje pictórico, que mezcla la cultura afrocubana con las últimas vanguardias europeas, recrea una exquisita sensación de surrealismo, grafismo, cubismo, santería, que a mí entender fueron las luces en la concepción de mí obra, Lam Influence (Influencia de Lam). Fotografía, dibujo, ensamblaje digital que recoge dos ambientes convergidos en un mismo lenguaje semiótico.Exterior representado por el Pájaro (ave Fénix, símbolo del renacimiento físico, espiritual), permeado por la lluvia. La tela o lona puesta a secar en la empalizada de alambres de púa, crea un contexto de ambiente húmedo externo, que a la vez se inserta en fusión a otro ámbito interior cálido, de ventana opresiva simbolizando la no libertad; al tiempo de hilvanarse en dibujo “Lamsiano” que amarra el pájaro y lo estructura en el “seno” de su ala; en otro contexto de texturas ambiguas, de sombras surreal. La complejidad crea su espacio, el alambre, el dibujo, la simbología erótica, (el seno) destierra lo onírico donde ya no sabemos si es un sueño, o es la otra Jungla de Angel Ricardo Rivera.

Guernica. Historia, pintura, obra, génesis, genialidad...

2010-02-12T15:10:00.000-08:00

Acabo de recibir uno de esos mensajes olvidados, perdidos, no encontrados de Oscar del Pozo, gran amigo cubano. Me llama la atención de manera singular porque trata del Guernica, obra maestra del pintor Pablo Picasso 1937. La Alemania de Hitler aniquiló virtualmente la población de Guernica centro de tradición cultural vasca, España.

Aquí habría que hacer un espacio para la mente, arrodillarse, para la reverencia a esta muestra de la iluminación artística más importantes del siglo XX.

En la década de los 70 cayó en mis manos un libro español de la colección comunicación visual que era como una disección de esta obra de arte (el Guernica, génesis de una pintura, R. Arnheim), un volumen completo de 152 paginas donde narra y explica todo aquel discurso visual de Picasso. Por consiguiente mi interés, es decir, mi interpretación por la importancia de una obra de arte y su contenido. A mi entender Picasso cierra la legitimación del estilo cubista con la obra maestra del Guernica para la humanidad.

Mis ojos se reencuentran nuevamente con ella –ahora- en una nueva interpretación: un rendering *tridimensional contemporáneo, que hace que nuevamente nos sumerjamos en la reflexión. Como un sueño en blanco y negro, como un submundo mágico, se observa desde abajo, desde arriba, de los lado, desde atrás y en movimientos sincronizados, con una música muy especial, muy de España de la época. Aquí se redescubren los secretos, de las formas conocidas, o desconocidas y piensas en el artista cuando la creaba. Sus emociones, sus rabias, su desolación. Pienso en el amigo Félix Mas cuando sentado en el patio de mi casa -en Miami- me explicaba cuando estuvo delante del Guernica en España –narraba- “parecía que el artista en el proceso de ejecución estaba tan emocionalmente paseido en su realización, que en sus brochazos y pinceladas se rompian en un grito”. Las fuerzas que estremecían al artista al pronunciar con trazos su "momentum" invocaba la denuncia en llantos, en gritos, en oración.

La interpretación no fue en vano, porque el solo recuerdo, la sola mirada, nos produce en nuestro interior un amasijo de emociones que estallan en los sentidos provocando diamantes y puñales en los ojos que solo en guerras perdidas simulan el alma.

Angel Ricardo Rivera

*Versión en 3-D de la obra: http://www.lena-gieseke.com/guernica/movie.html

Apuesta a lo visual...

2010-01-11T08:34:00.000-08:00

Entrevista de artes del periódico “Hoy”

Apuesta a lo visual...
Por: Clara Silvestre
1-9-2010
http://www.hoy.com.do/vivir/2010/1/8/309040/CulturAutografoApuesta-a-lo-visual

¿Como podría definirse su obra artística?Gran experiencia visual… Cae plenamente dentro del campo surrealista, podríamos decir fotografía?, pintura?, dibujo?... A mí, se me antoja “poesía”.
Si la fotografía es luz, ¡Hela aquí! Complementada, extendida, sin limite como forma expresiva para una reflexión. Nuestro planteamiento no sólo recoge la belleza, sino que entra en los ámbitos de los subconscientes existenciales, etéreos; donde la razón se vuelca, donde aparecen el silencio que nos lleva la reflexión. Se trata de imágenes, propias, originales, personales, íntimas, únicas, donde no se depende de nada, de nadie, sólo de lo visual. El concepto trae la música y esta se recrea para hacer la poesía.¿La composición?Arrastrado por la simétrica, de una forma inconciente caigo y me asidero a ella, me lleva al equilibrio, a la seguridad de la solidez de la simpleza de las estructuras básicas, con incidencias monocromáticas. La fuerza de nuestra obra se fundamenta en la forma y el contenido simbólico evidenciando conciencia visual. La yuxtaposición de elementos a veces pueden resultar misteriosos e incongruentes porque obviamente no son parte de una realidad, sino la mía interna, que fluye, sin razón o viceversa.
¿Lo simbólico?Si tenemos en cuenta el simbolismo Freudiano y lo combinamos con los elementos pictóricos, llegamos sin lugar a dudas a un producto sensorial que tiene que ver con el origen del todo, las causas y la cosas, o sea, lo metafísico. Esta atmosfera irreal se percibe en los objetos; en las aves que vuelan pesadamente sin definición objetiva; en el oxígeno clorofiliano que acaricia la vida y exalta la belleza. Grupos que danzan en el azul, brazos en movimientos con puñales que emergen en una búsqueda o denuncia.
¿Los elementos?Tierra, agua, aire, mar, texturas, transparencias, restos marinos, instalaciones ingrávidas, de todo… Sobre todo, el uso de la luz. Se trata de percepción de la búsqueda en las profundidades de lo humano, estamos develando un santuario interior privado, para presenciar aquel universo, mágico, silencioso, personal…

¿Técnica?La cámara fotográfica, la computadora, impresión digital, dibujo, pintura, canvas, transparencias, restos de madera marinas y no sigo, porque no terminaríamos en esencia todo lo que esté a nuestro alcance para hacer un discurso visual, de eso se trata, es arte moderno de este nuevo siglo arrebatador.

¿La Filosofía?El recogimiento sincero, humanista, que nos hace pensar en el amor, la ternura, la nostalgia. Netamente emocional, porque sobrepasa lo real, lo imaginativo y se sumerge en lo irreal.
Angel Ricardo Rivera trabajó dirección de artes en la ciudad Miami, Florida por 23 años. En la actualidad, reside en el país y se desempeña como creativo publicitario en la Dirección de Prensa y Publicidad de la Presidencia, en el área de Relaciones Públicas. Tiene su propia agencia de artes, fotografía y diseño gráfico.Tuvo una destacada participación en la ultima bienal de artes de Cándido Bidó, en Bonao, R. D. En el 2004, una de sus obras fue seleccionada para el concurso de Artes de la Fundación E. León Jiménez en la ciudad de Santiago, R. D.

Una Coca-Cola con hielito, por favor...

2009-09-02T08:52:00.000-07:00

Querer, Compartir, Aceptar, Amar, Descansar, Escuchar, Leer, Celebrar, Expresar, Salir...
He aquí el mundo de la felicidad de Coca-Cola y su acertada campaña publicitaria por el encuentro. Estamos aquí para ser felices... De manera tal que en un país con un promedio de vida entre 72 a 74 años como el nuestro, con un índice de analfabetismo de un 30% en la población; con problemáticas de agua, y de luz, la lógica nos dice que ya es tiempo de “vivir” y porque no? Ser felices. Y aquí el comercial: “Parece obvio pero a veces, en la vida, hay que vivir.” El rostro de un bebe acostado descubriendo la vida dividido por la onda de la alegría de Coca-Cola. Aparece el rostro de éste personaje después de sus 80 o 90 años de existencia narrando historias en off. Se siente como si estuvieran dentro de un vehiculo en movimiento ( la vida transcurre...). Una música de fondo susurra campanitas y alegrías al unísono, y termina el anuncio de la red. (mas o menos así...) Entonces, pensamos en la pasada semana, en Barahona, en aquel momento donde sentado en el patio de aquella casa de la montaña en el tope del arrecife, entre el monte y el mar se escuchaban las olas golpeando la playa, secundadas por el sonido del arrastre de callos (piedrecitas) en la arena. Ahí se crea el momento de reflexión de que también podemos ser libre y felices en un país como el nuestro, con sus condiciones materiales de existencia... El cielo de la noche se desvela con puntitos y gradaciones de estrellas, creando un pizarrón universal ante nuestros ojos. Pensamos en “Mar adentro” la película, cuando el personaje central (Javier Barden) en su afán de amor a la vida, (ironía) recorre el pasillo que se convierte en vuelo arrebatado cuando sale por la ventana volando por la costa hasta llegar a la playa donde está la mujer que ama, que lo hace bajar y el abraza. Y ahí termina su sueño.

Tratando de comprender mejor lo existencial... Porque no? Una Coca-Cola con hielito por favor.
Date gusto, aunque suene americano
http://www.destapalafelicidadcoca-cola.com/

silencios interiores...

2009-05-25T15:41:00.000-07:00

Travesía del papel

Acabo de leerlo. Un precioso poema, que un amigo de sensibilidad nos traspasa, y que en un día como hoy húmedo y gris lo convierte en detalle especial. Presiento que el poeta se despide. Al leerlo, se crean silencios interiores que nos hacen reflexionar sobre la existencia misma y no nos queda otra que desplazarnos a la ventana y observarla. Allí esta, solemne, perfecta. Si... La lluvia. Que hoy reaparece diferente, hoy dice cosas del pasado, que se confunden con un presente confuso, distinto y Suspiro... Cuanta belleza!, la cuidad esta toda empapada y yo en estas alturas, todo seco; observándola, pensándola soy testigo ocular. El momento se convierten en silencio permeado con cuestiones del alma. Lluvia y nubes gris se convidan para hacer de las suyas recreando un paisaje de metáforas en mi mente, mi pensamiento creando un mundo surreal. Mis ojos absortos lo observan todo al tiempo de pasar sin darnos cuenta. Yo me dejé llevar. Ahora entiendo mejor porque el cine de autor utiliza la lluvia después que terminan los amores intensos. Sencillamente, lo barre todo dejando la ciudad limpia y con reflejos.

Que bueno es saber que un Oscar López anda por ahí, (Poeta dominicano desconocido por mi) que nos saca de lo cotidiano y nos sumerge en el lirismo sin preguntarnos.

Para sus ojos amigos míos, la Poesía:

Un piano me esta llamando

hacia la orilla del mar,

la luz densa, danzarina gorda de albures,

me lleva hacia la espuma,

se filtra,

se escurre,

se desgrana,

y un piano me está llamando

hacia la orilla del mar.

Me arrulla,

la lengua sabia de las olas

musita efervescencia

a las huellas que voy dejando.

Un piano me esta llamando

para contra restar

el índice descarnado de la muerte,

que reclamaba mi presencia a mis espaldas.

Voy desnudo por la orilla,

menos denso,

mas transparente y mas solo,

subiendo escaleras de caracolas,

sin ánimo de cotejar los versos,

Así,

en línea recta,

un piano me está llamando,

hacia el envés,

hacia el arbitrio final de esta carrera,

Lanza del Norte,

¡Qué hermosa arena!

¡Qué mar insomne!

¡Qué larga espera!

Un piano acucioso,

de cuerda y madera,

de martillos romos,

golpea el silencio y lo despierta,

y yo me voy con el…

casi me voy con él.

Poema de Oscar López